neo expresionismo

Situación en el tiempo: es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Características: el neo expresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neo expresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizano expresionismo
Situación en el tiempo: es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Características: el neo expresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neo expresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan

 Eric Fischl (Nueva York, 1948) es un pintor estadounidense. Uno de los principales exponentes de la que ha sido considerada como pintura postmoderna. También se le ha enmarcado dentro del Neoexpresionismo y del Bad painting.

Fischl nace en 1948 en Nueva York. Entre 1970 y 1972 estudia en el California Institute of Arts, en Valencia (California). Entre 1974 y 1978 es profesor en el Nova Scotia College of Art and Design, en Halifax (Canadá). En 1975 hace su primera exposición individual en la Dalhousie Art Gallery de Halifax.


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Hiperrealismo

Situación en el tiempo: surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX
Características: que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el fotorrealismo que es menos radical.
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Duane Hanson fue un escultor estadounidense que nació el 17 de enero de 1925 en Minnesota. Dio clases en escuelas de Estados Unidos y Europa hasta 1969. En un principio desarrolla una obra abstracta que abandona por el hiperrealismo. Llama la atención su extraordinaria apariencia de vida. Parece como si la persona representaba estuviese respirando frente a nosotros. Trabaja la resina de poliéster reforzado con fibra de vidrio que vierte en moldes de tamaño natural, después pinta y adorna con accesorios reales la estatua retratando a la burguesía americana como en "Mujer con bolso" (Museum Ludwig, Colonia, 1974).

Arte cinético

Situación en el tiempo: el arte cinético fue una corriente muy en boga desde la mitad de los 60 hasta mediados de los 70.
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
Características: es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento.
Hoy en día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban (un ejemplo pueden ser los anuncios luminosos). También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico

 
Técnica: Oleo

Soporte: Madera


Tamaño:
33 x 33cm
Material:

Estilo: Realismo Magico

Arte óptico

Situación en el tiempo: nacido en Estados Unidos en 1958. Se acuña al termino Op Art” en 1964
Características: se caracteriza por la ausencia total de la realidad, todas sus obra físicamente estéticas, lo cual lo diferencia del arte cinético. Pretende crear efectos visuales tales como los movimientos aparentes, vibración, parpadeo y difuminacion.
Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.
Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas tales como las mencionadas anteriormente.
• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.
• Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Antonio Lizarazu Balué nació en 1963 en Madrid, España. Artista Digital autodidacta.

La mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris.

Arte pop

Situacion en el tiempo: surge a finales de los años 1950 en Inglaterra y Estados Unidos
Características: caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine erótico. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas y Ambiciosas, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.
Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp,Kurt Schwitters y Man Ray.
En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.6 El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

Descripción: Ella es una amiga y le encanta el arte pop. Impresión de 40 x 30 cm seriada y firmada. Copyright(C) 2005 by Adrian A. Biondi. All rights reserved.

Futurismo

• Surgió a principios del siglo XX en Italia
• Temática: los temas preferidos son las ciudades y la figura humana en movimiento.Pintaban caballos,perros y el cuerpo humano con varias cabezas o series radiales de barzos y piernas.Además representaban el sonido como una recesión de ondas y el color como una vibración.
• Técnica: Simultaneismo,dinamismo,divisionismo,multiplicación de líneas y detalles,movimiento,amplia gamas de colores,desmaterialización de los objetos y multiplicacion de las posiciones de un mismo cuerpo.
• Generalmente representaban: el  moviento de personas y el rechazo al pasado y a la tradición.
• Consideraron símbolos de la civilización como la maquinaria y la velocidad de autos.
• Lograron una nueva forma de expresión artística,regida por los principios  de la llamada civilización de las máquinas.

Autores Destacados: Filippo Tomasso  Marinetti,Umberto Boccioni,Carlo Carrá,Luigi Russolo y Gino Severini
Autor elegido: Gino Severini
Gino Severini (Cortona, 7 de abril de 1883 – París, 26 de febrero de 1966), fue un pintor italiano y uno de los líderes del movimiento futurista.
Gino Severini supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo.
Fue Giacomo Balla, en Roma, quien le introdujo en la pintura divisionista, tendencia que continuó en París a partir de 1906. Allí tuvo contacto con los principales pintores cubistas: Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris, participando en el desarrolló de ese movimiento, llegando a teorizar incluso sobre él en su obra Del cubismo al clasicismo, de 1921.
En 1910 firmó el Manifiesto de la Pintura Futurista, consiguiendo que se adhirieran al mismo los pintores Umberto Boccioni y Carlo Carrá. En 1912 organizó la primera Muestra de los Futuristas.
Entre los años 1924 y 1934, tras una crisis religiosa, se dedicó a la pintura sacra, realizando numerosas obras para iglesias, sobre todo suizas.
Su obra es una visión caleidoscópica en la que se funde presente y pasado, espacio y tiempo, consiguiendo así una fiesta de luces y colores.

Expansión de la luz (Centrífuga y centrípeta)

Fecha:

c. 1913-1914

Técnica:

Óleo sobre lienzo.

Medidas:

65 x 43,3 cm

Úbicacion:

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Cubismo

• Fue un movimiento revolucionario ya que produjo una verdadera trasformación dentro de la pintura.
• Fue encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
• Surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
• En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies. 
• Se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.
• La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas. 
• También el collage. 
•  Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones. 
          Autores Destacados: Pablo Picasso,Georges,Branque,Juan Gris,entre otros.
•  Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.
•  Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.
•  Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.
•  Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos
•  Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.
•  Base filosófica:  Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

        Autor Elegido:Pablo Picasso:

           Biografía:

     Pablo Ruiz Picasso (n. Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de  abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador,  junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno  de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

              
 La temática trata acerca de una fabrica rodeada de unas palmeras imaginarias. Se mudo junto a Fernande  a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MOMA, Nueva York); La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo) y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie,Berlín). Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, «perspectiva inversa» y modelado de Cézanne.La técnica que utiliza es la de las figuras geométricas, también podemos observar colores como el verde, el rojo y el amarillo en sus diferentes tonalidades. En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviados, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves.
 
 
 
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